Монументальная живопись в творчестве Рафаэля

Вероника Сидорова

Монументальная живопись – это разновидность монументального искусства. На современном этапе она тесно связана с архитектурой. В отличие от станковой живописи, монументальная несет смысл лишь как составляющая определенного архитектурного ансамбля. Она может являться либо доминантой архитектурного памятника, либо его украшением. Вместе с тем это самая древняя разновидность живописи, она известна еще со времен палеолита. Наскальные рисунки, росписи в пещерах, созданные первобытными людьми, сохранились практически на всех континентах. Эти памятники являются очень ценным, а иногда и единственным источником информации об особенностях культур разных исторических эпох.

Творчество Рафаэля Санти принадлежит к числу тех явлений европейской культуры, которые не только овеяны мировой славой, но и обрели особое значение – высших ориентиров в духовной жизни человечества. На протяжении пяти веков этот великий художник воспринимается, как идеал гармонии и образец эстетического совершенства. Сменяются поколения, меняются художественные направления и стили, но гений мастера Возрождения остается незыблемым. С каждым он говорит о чем-то насущном, бережно-сокровенном – о возрождающей человеческую душу необходимости любви и понимания, о всепобеждающей силе нежности, о великодушии и чистоте, о хрупкости гармонии и красоты. Художник доверяет нам свои самые заветные мысли, не сомневаясь в нашей готовности понять его, убежденный, что в глубине каждой души живет неутоленная жажда добра и красоты. К этим прекрасным граням, подчас глубоко скрытым, к самому человечному в человеке обращено искусство мастера. Его доверие преображает, снимает покровы с людских душ, пробивается сквозь броню замкнутости и одиночества.

Зал Константина в Ватикане. Фрагмент: Взгляд на крест. Фреска Рафаэля Санти, 1520-е гг.

Монументальное искусство в эпоху Возрождения

На русском языке эпоха называется «Возрождение», на французском – «Ренессанс», на итальянском – «Ринашементо». Эпицентром ренессансной культуры была Италия и Флоренция. Фрески и полотна Джотто ди Бондоне, Мазаччо, Пьеро делла Франческа, Андреа Мантеньи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэля Санти и для художников нашего времени служат образцами художественного мастерства.

Значение Ренессанса измеряется не только количеством замечательных произведений. В эпоху Возрождения произошли качественные изменения во всех областях культуры. Каноны Средневековья уступили место новому искусству: гуманистическому, антропоцентрическому, светскому, реалистичному. Были заложены художественные основы творчества мастеров всего Нового времени. На какое бы направление вплоть до коренного идейного перелома в конце XIX – начале XX веков ни взглянули, все они выросли из ренессансной колыбели.

Название этому периоду было дано самими современниками. Например, термин встречается у итальянца Джорджо Вазари – художника, архитектора и писателя. Дело в том, что творцы этой эпохи, отказавшись от средневековых канонов, своим фундаментом провозгласили античное искусство. Речь шла о возрождении художественных принципов античности, которые представлялись ренессансным мастерам идеалом. Но они были новаторами, а не эпигонами. Их творчество не было слепым копированием: на древнем фундаменте построили величественный дворец, наполнив его новым содержанием.

Святой Франциск перед султаном. Испытание огнем. Легенда о святом Франциске. Художник Джотто ди Бондоне, 1290-е гг.

В новую эпоху на первое место выступает творческая индивидуальность художника, деятельность которого в то время была на редкость многообразной. Поражает разносторонняя одаренность мастеров Ренессанса – они часто работали в различных областях, совмещая занятия живописью, скульптурой, архитектурой с увлечением литературой, поэзией и философией, с занятиями точными науками. Выражение «человек Возрождения», «ренессансная личность», обозначающее разносторонне одаренную личность, стало впоследствии нарицательным.

В основе всех новаторских открытий эпохи Возрождения лежит осознание ценности человеческой личности. Это сущность гуманистической направленности Ренессанса. В новых исторических условиях он продолжает традицию античного гуманизма. Реальное содержание эпохи породило новый образ, идеальный по своему существу, и даже несколько героизированный – образ волевого, интеллектуального человека, творца своей судьбы и самого себя.

Монументальное искусство – род изобразительного искусства, произведения которого отличаются значительностью идейного замысла, имеют крупный масштаб соотношения их формы с окружением, создаются для конкретной архитектурной среды и выступают пластической или смысловой доминантой архитектурного ансамбля. Иными словами, архитектурные условия определяют выбор определенного жанра, тематику и художественную трактовку живописного или скульптурного произведения, созданного для украшения архитектурного объекта.

К монументальной живописи относятся произведения, непосредственно связанные с архитектурными сооружениями, помещенные на стены, потолки, своды, реже – на полы, а также все виды росписей по штукатурке – это фреска, энкаустика, темперная, масляная живопись, мозаика, написанные на холсте живописные панно, специально приспособленные для определенного места в архитектуре, а также витражи, сграффито, майолика и другие формы плоскостно-живописного декора в архитектуре.

По характеру содержания и образного строя различают произведения живописи, обладающие качествами монументальности, являющиеся важнейшей доминантой архитектурного дуэта и монументально-декоративные росписи, лишь декорирующие поверхность стен, перекрытий, фасадов, которые как бы «растворяются» в архитектуре. Монументальную живопись называют также монументально-декоративной живописью, или живописным декором, что подчеркивает специальное декоративное назначение росписей. В зависимости от своей функции произведения монументальной живописи решаются в объемно-пространственном или плоскостно-декоративном ключе. Монументальная живопись приобретает цельность и законченность лишь во взаимодействии со всеми составляющими архитектурного ансамбля.

Монументальность как качество изображения характеризуется следующими основными признаками:

— пластическим единством и архитектонической собранностью элементов целостной художественной структуры;
— передачей ощущения мощи, весомости, тектонической прочности форм;
— обобщенностью и схематизмом трактовки формы;
— общим впечатлением преобладания статичных форм.

В изображении художников эпохи Возрождения люди выглядят одновременно и совсем живыми, и необыкновенными, как бы переведенными в какой – то высший, монументальный план бытия. Ренессанс – это период бурного творческого подъема.

Капелла Бранкаччи. Святой Петр исцеляет больного своей тенью. Фрагмент. Художник Т. Мазаччо, Фреска, 1425 г.

Особенности и техники монументальной живописи

Начиная с ранней античности и до позднего Возрождения, монументальная живопись наряду с монументальной скульптурой представляет собой один из основных методов декорирования каменных, кирпичных и бетонных сооружений.

Монументальная живопись появилась так же давно, как и человеческое жилище. Уже на стенах пещер, где укрывался первобытный человек, можно увидеть выполненные с удивительной наблюдательностью сцены охоты или просто изображения отдельных животных. Изучая историю древних культур, везде встречаемся с памятниками монументальной живописи. Они не только доставляют нам художественное наслаждение, но и рассказывают о жизни, быте, труде, войнах различных народов.

По образно-тематическому содержанию принято различать монументально-декоративные росписи и произведения, обладающие чертами монументальности. Оба направления вытекают из особенности этого вида живописи – синтетичности и непосредственной связи с архитектурными объектами.

Обычно изобразительные композиции, размещенные на фасадах и в интерьерах, воплощают наиболее общие философские и социальные идеи времени. Это диктует величавость форм. Произведениям, которые обладают чертами монументальности, свойственно общественно значимое содержание. Художник-монументалист может развернуть в живописи сложный рассказ-повествование, может соединить события, происшедшие в разных местах и в разное время. Так, великий итальянский художник Микеланджело на потолке Сикстинской капеллы в Риме изобразил множество библейских сцен, соединив их в единую сложную композицию.

Фрески Микеланджело в Сикстинской капелле, 1512 г.

К монументальной живописи относятся витражи, фрески, мозаичное убранство зданий. Выступая в синтезе с архитектурой, произведения монументального искусства зачастую являются важной смысловой доминантой ансамбля.

Основные техники монументальной живописи:

Техника фрески. Техника монументальной живописи, согласно которой, изображение создается на сырой штукатурке красками из разведенного в воде порошкового пигмента. На высохшей штукатурке известь образует кальциевую пленку, которая защищает рисунок и делает фреску долговечной. Техника фрески известна с античных времен. Однако, поверхность античной фрески полировалась горячим воском, смесь фрески с живописью восковыми красками – энкаустикой. Главная трудность фресковой живописи в том, что художник должен начать и закончить работу в тот же день, пока сырая известь не высохла. Если же необходимы поправки, нужно вырезать соответствующую часть известкового слоя и накладывать новый.

Техника фрески требует уверенной руки, быстрой работы и совершенно четкого представления обо всей композиции в каждой ее части.

Техникой фрески исполнено большинство старинных памятников монументальной живописи: стенная роспись в Помпеях, в христианских катакомбах, романском, византийском и древнерусском искусстве. Фресковая отделка стены приобрела совершенно особое значение в интерьерах ренессансных палаццо. Великолепие помещений достигалось не за счет богатой мебели, а благодаря декоративному украшению стен, потолка и пола. О величии фресок можно судить по творениям Рафаэля и Микеланджело.

Персидская сивилла. Фрески Сикстинской капеллы. Фреска. Художник Микеланджело Буонарроти, 1512 г.

Мозаика – вид декоративной живописи, основанный на компоновке и размещении на какой-либо поверхности плотно прилегающих друг к другу и скрепленных между собою разноцветных кусочков стекла, мрамора, цветных камней и т. п. В эпоху Ренессанса существенно пополнился ассортимент пород, используемых в мозаике. В наборах наряду с общепризнанными породами отчетливо просматриваются грецкий орех, ясень, каштан, дуб, клен, яблоня, груша. Инородные материалы, как слоновая кость, металлы, перламутр, в интарсиях этого периода почти не встречаются. Разрабатывая специальные эскизы для мозаики и учитывая при этом сложность техники выполнения и особенности изобразительного языка, выдающиеся живописцы способствовали рождению в конечном счете подлинно художественных произведений, вышедших из-под рук мозаичистов.

Флорентийская мозаика – способ подбора различного цвета пластинок мрамора и других пород камня. Такие пластинки после шлифовки и полировки обнаруживают природную красоту материала. Его декоративность еще часто вступает в противоречие с натуралистическим решением «росписи». В флорентийской мозаике используются мраморы различных месторождений, расцветок и рисунков, граниты, кварциты, порфиры, яшмы. Минералы: нефрит, родонит, лазурит, благородный змеевик, лиственит, ониксовидные мраморы, известняки и туфы. Изумительная красота естественного камня, обнажаемая при распиле и обработке породы, обязывает найти ему такое применение и такие изобразительные средства, которые максимально выявляли бы природную красоту материала.

Мозаика и фреска широко использовались в храмовом византийском зодчестве и оказали определяющее влияние на развитие древнерусского монументально-декоративного искусства. Ведущими мастерами эпохи Возрождения создано множество грандиозных по размаху и виртуозных по исполнению фресок.

Роспись купола часовни Киджи церкви Санта-Мария-дель-Пополо, Рим. Фреска, мозаика. Художник Рафаэль Санти, 1515 г.

Витраж – техника монументально-декоративной живописи, основанная на составлении декоративно-стилизованных и орнаментальных композиций из цветных стекол или других пропускающих свет материалов, скрепленных металлическим переплетом, и предназначенная для заполнения оконных и дверных поемов. Витражное изображение рассчитано на сквозное освещение и предназначено для заполнения оконных и дверных поемов в архитектурных сооружениях. Витраж с давних времен использовался в храмовом зодчестве. В раннехристианском храме окна заполнялись тонкими прозрачными пластинами камня (алебастра или селенита), из которых составляли орнамент. Впоследствии в романских храмах Франции и Германии появились сюжетные витражи. Крупномасштабные и многоцветные витражи из разнообразных по форме стекол, скрепленных свинцовыми перемычками, являлись специфической особенностью готических соборов. В эпоху Возрождения применялась техника росписи и выскабливания по специально покрашенному разноцветному стеклу. В настоящее время под «витражом» в архитектуре часто понимают светопрозрачный фасад.

 

 

Живопись темперой. Художники эпохи Возрождения создавали свои шедевры темперой. Эта древнейшая краска, которую применяют уже более 3 тысяч лет, просто готовится и обладает устойчивостью цвета. Картины, написанные маслом, со временем темнеют и тускнеют, а темпера всегда сохраняет яркость и насыщенность цветов. Как и в технике фреска, изображение наносится на сырую штукатурку. Но в данном случае используются краски из растительного пигмента, разведенные в яйце или масле.

Художники эпохи Возрождения работали темперными красками на загрунтованной и идеально отшлифованной поверхности. Подготовка полотна – обязательное условие в технике высокого мастерства. Если этого не сделать, краска будет ложиться толстым слоем, что приведет к выходу композиции из воздушной перспективы, а значит – ухудшению зрительного восприятия. Кроме того, со временем краска начнет отслаиваться, и картина придет в негодность.

Уникальность техники старых мастеров заключается в нанесении тончайших просвечивающихся слоев, благодаря чему достигается объем и гармония цвета, зарождаются новые оттенки. Художники эпохи возрождения работали сухой кистью и использовали специальные составы на основе темперы, что позволяло им наносить и удалять буквально микроны красящего пигмента.

Сграффито – вид монументально-декоративной живописи, принцип которой – процарапывание верхнего тонкого слоя штукатурки до обнажения нижнего слоя, отличающегося по цвету от верхнего. Таким образом, происходит создание настенных изображений посредством последовательного нанесения и соскабливания на различную глубину ограниченного количества слоев цветной штукатурки. Сграффито является отличной альтернативой традиционных фресковых росписей в регионах с влажным климатом. Процарапанное на цветной штукатурке изображение хорошо сохраняется в течение многих лет и не разрушается под воздействием влаги. Техника сграффито позволяет выстраивать изображение с использованием от двух до пяти цветов цветной штукатурки. Росписей, выполненных в технике сграффито характерен колорит «земляных красок», часто используются цвета охры – светлой, золотистой и красной, натуральной и жженной сиены, натуральной и жженной умбры, сепии, черной и белой краски. Очень важно, чтобы монументальные изображения, выполненные в этой технике, обогащали колористический образ здания и соответствовали его стилю.

Творчество Рафаэля Санти

Эпоха Высокого Возрождения в Италии дала миру великих художников: Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэля, Тициана. Каждый из них в своем творчестве воплотил дух и идеалы эпохи. В творчестве Леонардо ярко отразилась познавательная целеустремленность, в работах – Микеланджело – пафос и драматизм борьбы за великое совершенство, у Тициана – жизнерадостное свободомыслие, Рафаэль воспевает чувства красоты и гармонии.

Архангел Рафаил и Товия. Художник Тициан, 1542 г.

Рафаэль Санти не был новатором в искусстве. Его творчество явило собой синтез достижений предшествующих художников и стало наиболее ярким выражением классической линии в искусстве чинквиченто. Чинквеченто – итальянское название XVI века, используется для обозначения определенного периода в развитии итальянского искусства эпохи Возрождения. Художественные произведения Рафаэля гармоничны и ясны, человек в них совершенен, а мир находится в равновесии. В своих произведениях художник воплотил самые светлые и возвышенные представления ренессансного гуманизма о человеке, его исключительном месте в окружающем мире.

Излюбленным для художника был образ Мадонны, в котором он смог с наибольшей полнотой раскрыть свои представления о благородстве и совершенстве человека, о гармонии внешней и внутренней красоты. Картины на этот сюжет Рафаэль писал всю жизнь. Но по мере того, как художник становился все более зрелым, менялся и характер образа; трогательность, легкий лиризм, мягкая душевность, нежность юных мадонн его ранних произведений сменились выражением большой душевной силы, глубокой, самоотверженной материнской любви. Однако чувственные образы – это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойденным архитектором в живописи. Причем всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Неустанное стремление к светлому совершенному началу пронизывает все творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл. Его работы необыкновенно привлекательны в своем естественном изяществе («Сикстинская мадонна»). Может быть, поэтому мастер приобрел такую необычайную популярность у публики и имел множество последователей среди художников во все времена. Рафаэль был не только изумительным живописцем, портретистом, но также и монументалистом, работавшим в технике фрески, архитектором, мастером декора. Все эти дарования с особой силой проявились в его росписях апартаментов папы Юлия II в Ватикане («Афинская школа»). В искусстве гениального художника родился новый образ человека эпохи Возрождения – прекрасного, гармоничного, совершенного физически и духовно.

Сикстинская Мадонна. Художник Рафаэль, 1513 г.

Искусство Рафаэля выделяется редкостной способностью к широкому художественному обобщению. Его природный талант властно тяготел к синтезу. Соединяя ценности земного бытия и представления самого возвышенного порядка, Рафаэль, как никто другой из мастеров Возрождения, сумел не только постичь совершенство формы, но и уловить самую сущность произведений античного искусства. В зрелые годы он с подлинной страстью предавался изучению античной пластики, монументально-декоративной живописи и архитектуры. Не в «подражании древним», а в творческом приобщении к их художественным идеалам задачу своего собственного искусства. Историческая заслуга Рафаэля состояла в том, что в своем искусстве он связал в одно целое два разных мира – христианский и классический. Это «эллинизированное христианство» Рафаэля, взращенное на почве ренессансного неоплатонизма, вобрало в себя опыт предшествующего развития искусства итальянского Возрождения, порвавшего с традициями средневековья.

С этого момента новый художественный идеал надолго утвердился в религиозном искусстве Запада. Отсюда такая популярность классических образов Рафаэля у позднейших мастеров. Отсюда же пагубное стремление подражать им.

Конечно, своим быстрым и блистательным развитием Рафаэль был многим обязан той художественной и духовной среде, в которой он формировался. Юношеская пора его искусства неотделима от родного Урбино, тихих горных городков Умбрии. Его молодость была щедро обогащена великим художественным опытом Флоренции. Своей полной зрелости его творчество достигает в Риме, который заставил поэтическую фантазию двадцатипятилетнего Рафаэля жить новыми формами и идеями.

Многочисленные произведения Рафаэля хорошо представлены в крупнейших музеях по всему миру: Лувр, музей Метрополитен, Лондонская Национальная галерея, Государственный Эрмитаж, Вашингтонская национальная галерея искусств, музей Прадо, Художественно-историческом музее Вены и других. Люди со всего мира приезжают в Рим, для того чтобы увидеть выполненные Рафаэлем росписи станц Ватикананского дворца, знаменитую – фреску «Афинская школа». Во Флоренции работы мастера можно найти в галерее Уфиццы, в галерее Боргезе и в Палаццо Питти.

Пифагор на фреске «Афинская школа». Художник Рафаэль Санти 1509-1511 гг. Станца делла Сеньятура. Кабинет Папы римского. Ватикан

Своеобразие и методы монументальной живописи Рафаэля

Стиль юного Рафаэля формировался под влиянием живописи его умбрийского учителя, которую отличает мягкий свет и сбалансированные цвета, ясное пространственное решение и уравновешенные композиции. Ранние работы Рафаэля подкупают изяществом и лиризмом. В дальнейшем Рафаэль чутко усваивал находки и достижения своих современников – Леонардо да Винчи, Микеланджело, Фра Бартоломео. У них он перенял внимание к анатомии человека, интерес к зарисовкам натуры, мастерство изображения фигур.

Произведения Рафаэля – это гимн гармонии духовного и физического в человеке. Рафаэль как никто другой умел обобщать и выделять главное в рисунке. Когда говорят о высоком Возрождении, имеют в виду прежде всего Рафаэля. Именно с его фигурой связывают утверждение в искусстве принципов равновесия и сбалансированности композиции, деликатного обращения с цветом и светом, плавности ритма, ставших эталоном для многих и многих последующих поколений художников и получивших впоследствии название академизма.

Рафаэль изучает античное искусство, делает зарисовки с работ Донателло, с композиций Леонардо и Микеланджело. Он много рисует с натуры, изображает модели обнаженными, добивается правильной передачи строения тела, его движения, пластики. Одновременно изучает законы монументальной композиции.

Стиль живописи Рафаэля меняется: в нем сильнее находит выражение пластика, формы – более обобщенными, композиции – более простыми и строгими. В этот период его творчества образ мадонны становится главным. На смену хрупким, мечтательным умбрийским мадоннам пришли образы более земных полнокровных, их внутренний мир стал более сложным и богатым эмоционально.

Он работал много и напряженно, но никогда творчество не было для него горькой мукой, никогда не стремился он в своем искусстве к недосягаемой цели. Быстро поднимаясь по ступеням художественного совершенства, он всякий умел почти безошибочно поставить себе задачу, которая соответствовала его творческим возможностям, – и когда он был совсем юным живописцем, и когда его гений достиг высшей зрелости. Это прирожденное чувство меры, это естественное тяготение к гармонии получило в его творчестве свое полное и потому счастливое осуществление. Все, что он хотел сказать людям, он успел претворить в своих произведениях, хотя жил очень недолго – только тридцать семь лет. Его искусство по всему своему строю было ясным, спокойным, возвышенным и идеальным. Оно было поистине классическим.

Рафаэль не был художественным новатором в том же смысле, как да Винчи и Микеланджело, но уже оценил как идеал высокого Возрождения, художник на протяжении последних пяти веков. Это потому, что в его искусстве, Рафаэль изобразил благородных и идеальных лиц, которые перемещаются с достоинством и грацией благодаря понятной и упорядоченного мира. В искусстве Рафаэля часто виделся высший образец «чистого искусства», служения идее возвышенной, противопоставляемой реальности красоты.

Менялся гармоничный мир Рафаэля, совершая свою эволюцию от камерности к монументальности, от тихого лиризма к драматической героике образов. И всегда формальное совершенство творений мастера было неотделимо от их идейной значительности. В картинах и фресках Рафаэля перед нами предстает идеально возвышенное изображение церковной легенды, античного мифа и человеческой истории.

Станца делла Сеньятура. Фреска «Парнас». Фрагмент: Сафо. Художник Рафаэль, 1511 г.

Порядок Рафаэля – это не просто интеллектуально, фигуры в его работах, кажется, движимые энергией, которая заставляет их крутить и изящно превращаются в свойственной ему сферических композиций. Это было достигнуто путем объединения движения его фигур и пространства, он создал для них в единую, гармоничную композицию.

Рафаэль был мастером, используя глубину и перспективу, а также света и тени – краеугольные камни современного искусства. На протяжении всей своей короткой жизни он сделал некоторые из самых впечатляющих, красивых и влиятельных произведений монументального искусства во время итальянского Ренессанса.

Рафаэль принадлежал к немногим истинно гармоническим натурам, наделенным способностью выразить глубокое и емкое содержание благородно-законченной и ясной форме, мыслить и чувствовать категориями прекрасного, органически соединять естественность и простоту с возвышенным совершенством.

Можно сказать, что в живописи Рафаэль был величайшим мастером композиции – ее зодчим и музыкантом. Словно зодчий строил он на плоскости строгую архитектонику пространственной композиции. И с подлинной музыкальностью ритмически связывал ее отдельные части в единое целое. «Рафаэль, как никто, обладал талантом создавать приятное для человеческого глаза», – писал по этому поводу Т. Вельфлин.

Рафаэль, когда передавал фигуры в пространстве, мыслил свою симметрическую композицию, ее деление и ритмическое построение наподобие архитектуры. Круг или полукруг и закономерно рождающиеся из этих линейных элементов пространственная сфера или полусфера-купол– самые характерные структурные формы его живописных композиций. С непринужденной естественностью подчиняются такому циркулярному движению все части картины и фрески, располагаясь вдоль плоскости и в глубину, то развертываясь по кругу или полукругу, свертываясь по спирали от краев к центру. Эти центробежные и центростремительные силы композиции взаимно уравновешивают друг друга в пределах обрамления, найденного расчетом художника или уже заданного реальной архитектурой стены.

Мадонна Террануова (Мария с младенцем Христом, Иоанном Крестителем и святым ребенком). Художник Рафаэль Санти, 1505 г.

Монументальная живопись флорентийского периода художника

В 1504 г. Рафаэль Санти переехал во Флоренцию, где был глубоко восхищен стилем и техникой Леонардо да Винчи. В культурной столице он начал создание серии прекрасных мадонн; там же ему поступили первые заказы. Во Флоренции молодой мастер познакомился с да Винчи и Микеланджело – мастерами, оказавшими наиболее сильное влияние на его творчество. Также Флоренции Рафаэль обязан знакомством со своим близким другом и наставником Донато Браманте. Биография Рафаэля Санти в его флорентийский период является неполной и запутанной – судя по историческим данным, художник в это время не жил во Флоренции, а часто туда приезжал. Четыре года, проведенные под влиянием Флорентийского искусства, помогли ему достичь индивидуального стиля и уникальной техники живописи.

Архитектурный стиль Рафаэля подвергся вполне ожидаемому влиянию Браманте, именно поэтому недолгий период пребывания Рафаэля главным архитектором Ватикана и одним из наиболее влиятельных архитекторов Рима так важен для сохранения стилистического единства строений. К сожалению, немногие из строительных замыслов великого мастера существуют по сей день: некоторые из планов Рафаэля не были осуществлены из-за его смерти, а некоторые из уже построенных проектов были либо снесены, либо перемещены и переделаны. Руке Рафаэля принадлежит план внутреннего двора Ватикана и расписных лоджий, выходящих в его сторону, а также круглой церкви Sant’ Eligio degli Orefici и одной из капелл в церкви Святой Марии дель Попполо.

Композиции, созданные художником в этот период, славятся изяществом, гармонией, плавностью линий и совершенством форм, с которыми могут соперничать лишь полотна Леонардо и произведения Микеланджело.

Переход от влияния Перуджианской школы к более динамичному и индивидуальному стилю заметен в одной из первых работ флорентийского периода – «Три грации». Рафаэль Санти сумел ассимилировать новые тенденции, при этом оставаясь верным своему индивидуальному стилю. Изменилась и монументальная живопись, о чем свидетельствуют фрески 1505 года. В настенной росписи прослеживается влияние Фра Бартоломео.

Три грации. Художник Рафаэль Санти, 1505 г.

Однако ярче всего в этот период прослеживается влияние да Винчи на творчество Рафаэля Санти. Рафаэль ассимилировал не только элементы техники и композиции (сфумато, пирамидальное построение, контрапост), которые были нововведениями Леонардо, но и заимствовал некоторые из идей уже признанного на тот момент мастера. Начало этого влияния прослеживается даже в картине «Три грации» – Рафаэль Санти использует в ней более динамичную композицию, чем в ранних работах.

Овладевая во Флоренции мастерством композиции и умением передавать пластическую экспрессию фигур, Рафаэль словно готовил себя к тому, что ждало его в Риме, где он обосновался с конца 1508 г. Там из скромного провинциального художника, хорошо знакомого любителям искусства автора небольших изящных картин и фресок. Он сразу превратился в великого мастера, затмевая своей славой даже тех знаменитых современников, у которых еще так недавно учился. Этим чудесным преображением Рафаэль был обязан Риму.

Монументальное творчество Рафаэля в Риме

В 1508 году Рафаэль приехал в Рим и жил там до конца своих дней. В Риме Рафаэль открыл самую большую мастерскую времен Возрождения – под присмотром Санти трудились более 50 учеников и помощников художника, многие из которых впоследствии стали выдающимися живописцами: Джулио Романо, Андреа Саббатини, скульпторами и архитекторами. Римский период характеризуется и архитектурными изысканиями Рафаэля Санти. Непродолжительно он был одним из самых влиятельных архитекторов Рима. К сожалению, немногие из разработанных планов удалось реализовать из-за безвременной его кончины и последующих изменений в архитектуре города. Римский период творчества Рафаэля отмечен высокими достижениями и в области портрета.

Он многое почерпнул у Леонардо и молодого Микеланджело, сблизился с Фра Бартоломео. Ему были знакомы работы Донателло и других скульпторов кватроченто. Он впервые серьезно соприкоснулся с произведениями античной пластики. Рисование с натуры и анатомические студии укрепили реалистические основы его творческого метода. И позднее, будучи уже прославленным мастером, Рафаэль продолжал учиться. Интерес к образам Леонардо не покидал его до конца жизни. Знакомство с фресками свода Сикстинской капеллы, завершенными Микеланджело в 1512 г., оказало заметное влияние на перемены, которые произошли в римском стиле Рафаэля. Колористическое богатство венецианской живописи также не оставило его равнодушным.

В ту пору по приглашению папы Юлия II в Рим съезжались лучшие архитекторы, скульпторы, живописцы со всей Италии. Вокруг папского двора собирались ученые – гуманисты. Папы, могущественные духовные и светские владыки коллекционировали произведения искусств, покровительствовали науке и искусствам. В Риме Рафаэль становится великим мастером монументальной живописи.

Папа Юлий II поручил Рафаэлю украсить росписями папские покои в Ватиканском дворце, так называемые станцы – комнаты. Ватиканскими «станцами» называют три зала размером около 8 x 10 м, протянувшиеся анфиладой между Бельведера и старым внутренним двориком Папагалло. С восточной стороны анфиладу замыкает четвертый, более обширный зал – на данный момент – зал Константина. С запада к нему примыкает угловая башня Борджа, где также имеется внутренний зал, сообщающийся со «станцами». Центральное положение в этой анфиладе занимает «Станца делла Саньятура» – самый светлый, наиболее хорошо освещенный зал.

Над фресками станц Рафаэль работал девять лет – с 1508 по 1517 год. Фрески Рафаэля стали воплощением гуманистической мечты возрождения о духовном и физическом совершенстве человека, его высоком призвании и его творческих возможностях. Темы фресок, образующих единый цикл – это олицетворение и прославление истины, добра, блага, красоты, прекрасного. Вместе с тем это как бы три взаимосвязанные сферы деятельности человека – интеллектуальная, нравственная и эстетическая.

Тема фрески «Диспут» утверждение триумфа высшей истины религиозного откровения, причастия. На противоположной стене – лучшая фреска ватиканских станц, величайшее творение Рафаэля «Афинская школа». «Афинская школа» символизирует рациональные поиски истины философией и наукой. В «Афинской школе» живописец изобразил собрание античных мыслителей и ученых.

Диспут (Спор о Святом Причастии) Фреска Рафаэля в Станца делла Сеньятура музея Ватикана. 1511 г.

Третья фреска Станцы делла Сеньятура «Парнас» – олицетворение идеи – красоты, прекрасного. На этой фреске изображен Аполлон в окружении муз, вдохновенно играющий на виоле, ниже изображены знаменитые и безымянные поэты, драматурги, прозаики, в большинстве античные: Гомер, Сафо, Алкей, Вергилий, Данте, Петрарка. Аллегорическая сцена, находящаяся напротив «Парнаса», прославляет добро, благо. Эту идею олицетворяют фигуры Мудрости, Меры и Силы, ритмически объединенные фигурками маленьких гениев. Трое из которых символизируют добродетели – Веру, Надежду, Милосердие.

Именно «Диспут» и «Афинская школа» наиболее полно, развернуто воплощают образ гармонически прекрасного мироздания Рафаэля. Их пространственное решение создает ощущение «открытости» этого мира для нас, расширяет пространство зала, сообщая ему величественное равновесие центрических помещений, наполняя его светом и воздухом. Но роль этих фресок в создании единого образа прекрасного мира различна.

Архитектурно-пространственное выражение замысла, в той или иной форме свойственное всем фрескам ватиканских «станц», написанным Рафаэлем, достигает своей кульминации в «Афинской школе». А именно в «Диспуте» замысел раскрывался через архитектоническое расположение фигур.

Рафаэль умер тридцати семи лет, оставив незаконченными росписи виллы Фарнезины, Ватиканские лоджии и ряд других работ, завершенных по картонам и рисункам его учениками. Свободные, изящные, непринужденные рисунки Рафаэля выдвигают их создателя в ряд крупнейших рисовальщиков мира. Его работы в области архитектуры и прикладного искусства свидетельствуют о нем как о разносторонне одаренном деятеле Высокого Возрождения, снискавшем громкую славу у современников. Само имя Рафаэля в дальнейшем превратилось в нарицательное имя идеального художника. Многочисленные итальянские ученики и последователи Рафаэля возводили в непререкаемую догму творческий метод учителя, что способствовало распространению подражательности в итальянском искусстве и предвещало назревающий кризис гуманизма.

Монументальная живопись прошла долгий путь становления, развиваясь и совершенствуясь вместе с человечеством на протяжении нескольких тысяч лет. Это искусство будет жить до тех пор, пока в людях сохраняется чувство прекрасного и потребность украшать свой быт и окружающую действительность.

За истекшие столетия наследие Рафаэля изучалось неоднократно на самых различных уровнях – от научно-популярных монографий до многотомных научных исследований. Казалось бы, добавить к этому что-либо принципиально новое трудно. Однако значение большого мастера тем и определяется, что каждая эпоха раскрывает в его творчестве те грани, которые не были восприняты предшественниками, каждое новое поколение находит в его искусстве необходимую духовную пищу, новые духовные ценности, сопоставляет свои достижения в эстетическом познании мира с его прозрениями, мысленно сравнивает, какое культурное наследие оставило человечеству Возрождение и что оставят после себя люди, живущие на рубеже второго и третьего тысячелетия. В том, как мы воспринимаем классику, что мы ценим и открываем в ней, проступает и наша собственная суть, определяется наш духовный багаж.

Станца д’Элиодоро. Фреска Рафаэля «Освобождение Святого Петра». Фрагмент: Ангел выводит Святого Петра. 1514 г.

Монументальное творчество Рафаэля является примером синтетического подхода мастеров эпохи Возрождения к решению задач пластических искусств. Каждая фреска и роспись обладает движением, вбирающим в себя естественное богатство жизненного ритма, проникнута каждая деталь: она пронизывает саму живописную фактуру, необычно для фресковой живописи широкую и свободную. Рафаэль смог приобщиться к самым передовым устремлениям искусства своего времени, овладел и применил в своем творчестве особенности монументального искусства и, благодаря этому смог стать великим художником.

Секрет мастерства заключается в удивительной универсальности искусства Рафаэля. Его работы являют нам образец высшего мастерства, совершенства рисунка, композиции, владения натурой, образец школы. В особенности многогранность и глубина его искусства раскрывается в монументальной живописи. Именно она выделяет Рафаэля среди многих художников Возрождения и отличается особой ясностью, спокойствием, благородной красотой и гармонией.